Semana UTXcon Madonna.

Madonna saludando a su publico.

La elegimos porque la viejita esta super buena con 50 pirulos.
Porque vende miles de millones de discos, graba unos videos de putamadre y orque muchas de sus canciones nos gustan a los que hacemos el programa y a ustedes.
Por eso, luego de un gran debate en la sala de reuniones de UTX llegamos a esa conlusion, esta semana es de Madonna.
Aqui te pasamos un poco de data.

Madonna Louise Veronica Ciccone Fortin; Bay City, Míchigan, Estados Unidos; 16 de agosto de 1958) es una cantante, compositora y productora estadounidense, de ascendencia italiana y francocanadiense de música disco, pop, dance y electrónica principalmente. Ha trabajado de manera más intermitente como actriz, diseñadora de moda y escritora, y últimamente ha debutado como directora de cine.

Denominada como Queen of pop (reina del pop), la cantante es un icono popular internacional de las últimas tres décadas, aspecto que incluso sus detractores le reconocen. Es una estrella de rock[1] conocida por reinventar su imagen, por la ambición, innovación y provocación en sus vídeos musicales y espectáculos, y también por sus polémicas personales y por el uso de símbolos políticos, religiosos y sexuales a lo largo de su carrera. Desde sus inicios en 1983, con el lanzamiento de su primer álbum Madonna y hasta su último disco Hard Candy, ha adquirido y mantiene un asombroso éxito y fama mundial, que ha atravesado distintas generaciones.

La trayectoria de Madonna es un ejemplo del triunfador «hecho a sí mismo», típico de la cultura norteamericana, con sus éxitos, fracasos y reapariciones. De un entorno un tanto gris y conservador, Madonna escapó a Nueva York a finales de los años 70 para dedicarse a la música. Ha logrado múltiples reconocimientos, incluidos 7 premios Grammy de un total de 27 nominaciones. Su afán de superación como artista le condujo a papeles protagonistas en películas como Evita, por la cual ganó el Globo de Oro a la mejor actriz. Pero Madonna también ha conocido momentos difíciles: su carrera en el cine ha sido desigual, y ha sufrido duras críticas, descenso comercial y dificultades personales, que ha superado con renovados bríos.

En el 2000, el Libro Guinness de los récords publicó que Madonna es la artista femenina más exitosa de todos los tiempos, estimando que las ventas superan los 338,6 millones de álbumes y sencillos vendidos en todo el mundo. Su actual compañía discográfica, Warner Bros., afirmó ya en 2005 que las ventas mundiales de Madonna exceden los 380 millones de discos, sólo en formato álbum. En el año 2004 la revista Rolling Stone la coloco en el puesto 36 de su lista[4]

Es una mujer de negocios bien conocida por su sagacidad comercial y su visión de futuro. El 16 de octubre de 2007, Madonna y la compañía productora y promotora de conciertos "Live Nation Inc." anunciaron un acuerdo que suponía el final para la larga colaboración entre ella y Warner Bros.. La nueva empresa promotora de conciertos participará en los discos, giras, merchandising, películas y otros proyectos musicales de la cantante. Bajo los términos del acuerdo propuesto, Madonna, de 50 años, recibirá un cheque de unos 18 millones de dólares al momento de la firma, y un adelanto de unos 17 millones por cada uno de los tres discos compactos que grabe. Una porción de la compensación sería en acciones. Este acuerdo representa para Madonna unos 120 millones de dólares por los próximos 10 años.

Fuente Wikipedia.

http://es.wikipedia.org/wiki/Madonna_(cantante)

Una semana entera con Manu Chao.

Esta semana elegimos al artista francés porque el tipo tiene alta onda, escribió unas canciones de la ostia y además está siempre comprometido con causas muy nobles y pintando en cada canción la realidad vista desde su ojo y su visión tan especial.
Por eso cada sesenta minutos esta semana va a sonar en tus oídos una canción del Manu.
Un poco de la bio.

Manu Chao

José-Manuel Thomas Arthur Chao, más conocido como Manu Chao (a veces aparece como Oscar Tramor) es un cantautor francés nacido el 21 de junio de 1961 en París, Francia, hijo de españoles; padre gallego y madre vasca uruguaya.

Manu Chao es hijo del periodista Ramón Chao, gallego de Villalba (Lugo) y de madre vasca de Bilbao, hermano de Antoine Chao y primo de Santiago Casariego (Santi) con quienes formó Mano Negra. Su padre, periodista, fue a París por su carrera. Su madre emigró a Francia durante la dictadura de Francisco Franco. Manu y su hermano crecieron en Sèvres, al oeste de París.

A los 14 años tuvo su primer grupo, llamado Joint de Culasse, con su hermano Tonio del Borño y su primo Santi Cassariego. Más tarde llegaron los Hot Pants y Los Carayos, con los que se aproximaba ya mucho a la música festiva y la pachanga. Estos grupos llegaron a ser muy conocidos en París dentro de la música alternativa. En 1987, Manu, su hermano y su primo fundaron el grupo Mano Negra, que triunfó primero en Francia con el single "Mala vida" y después tuvieron giras por Sudamérica. Tras una larga temporada en el grupo (del 1987 al 1994), comenzó su carrera en solitario.

Chao es políglota, pero canta principalmente en español, francés e inglés, a menudo cambiando de idioma en la misma canción. Aunque es uno de los artistas que más venden en el mundo, es relativamente poco conocido en los países de habla inglesa.

Su música tiene muchas influencias: rock, canciones francesas, salsa, reggae, ska y raï argelino. Recibió estas influencias de inmigrantes en Francia, de sus relaciones ibéricas, de sus recorridos en América con Mano Negra y vagando tras la disolución del grupo. Muchas de las canciones de Chao son sobre el amor, la vida en los guetos y la inmigración, y llevan a menudo un mensaje de izquierda y libertario.

Manu Chao ha estado comprometido con las causas de su tiempo. Ha colaborado con otras bandas cuando se le ha requerido con el fin de apoyar causas políticas. Se ha manifestado en contra de la violencia en varias ocasiones, aunque, a la vez, ha mostrado su apoyo a grupos caracterizados por usar o ensalzar la violencia.

Se solidarizó con la causa zapatista y el EZLN, y ha incluido fragmentos de los discursos del subcomandante Marcos en sus canciones. También se ha solidarizado con la causa de los okupas de Barcelona y de la denominada izquierda independentista vasca, colaborando con Fermín Muguruza.

Asimismo se preocupa por el pueblo saharaui, y ha visitado los campamentos de refugiados de Tindouf para hacerles llegar su música y mostrarles su apoyo.

Su estilo personal ha influido en grupos como Amparanoia, Karamelo Santo, Los Umbanda, Go Lem System, Aztecas Tupro, Gogol Bordello, La Pegatina y muchos otros.

En 2004 publicó un disco-libro (Sibérie m'était contée), en francés, con ilustraciones del dibujante polaco Wozniak.

El 3 de septiembre de 2007 salió a la venta su nuevo CD La Radiolina, y un día después se publicó en formato de vinilo.

El 27 de marzo de 2009, Manu chao fue investigado por las autoridades migratorias de México, por pronunciarse en contra de los abusos cometidos en 2006 en contra de la población de San Salvador Atenco, en la que el saldo fue dos muertos y 113 campesinos sentenciados con penas ridículas que oscilan entre 75 y 115 años de prisión, solo por el delito de defender sus tierras y defender a sus mujeres de los abusos sexuales cometidos por la policia; Manu Chao se encontraba en México, ya que participó en Festival Internacional de Cine de la ciudad de Guadalajara, donde presentó algunas películas en el ciclo Cinelandia. Debido a la investigación, Manu ya no se presentó el último día del festival, en donde cerraría con la película La Colifata.

Fuente Wikipedia

El Indio prepara un nuevo disco

A comienzos del mes pasado, Carlos "El Indio" Solari y su agrupación, Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, comenzaron con el mayor de los sigilos las grabaciones de una nueva producción discográfica que vería la luz el próximo año.

El sucesor de "Porco Rex" será la tercera placa como solista del ex líder de los Redonditos de Ricota, en la que se espera se profundice la inclusión de elementos electrónicos en las canciones.

Según informó el sitio web de la revista Rolling Stone, los músicos se encuentran grabando los demos en Luzbola, el estudio casero de Solari en su casa de Parque Leloir.

Si no hay ninguna contramarcha, el álbum estaría en las disquerías de todo el país en la primera mitad de 2010, ya que se supone que su grabación será un trabajo minucioso y extenso.

La ansiedad de los fanáticos, mientras tanto, podrá calmarse con el único show que dará en todo el año Solari, el 19 de septiembre en Salta en el estadio Padre Martiarena, el más grande de la ciudad y con capacidad para unas veinte mil personas.

Semana con nuestra artista invitada. Alika.

Alika se ha convertido en uno de los mayoress exponentes del Roots Reggae Dancehall de habla hispana, Influenciada notablemente por el hip hop que escucho desde pequeña y con el cual dio sus primeros pasos en la musica.
Nacida en la Republica Oriental del Uruguay, a finales de los 70, dentro de un hogar de clase trabajadora Su madre de marcadas raices guaranies nacio en Paraguay y su padre nacido en Uruguay,vivieron en la ciudad de Montevideo su infancia.
A los 6 anos de edad se mudaron a la Republica Argentina,donde realizo sus estudios, su interes por las culturas de los pueblos la llevaron a incursionar tambien en la carrera de Historia.
En 1994 fundo Actitud Maria Marta, una de las primeras bandas de rap de Argentina. Realizaron numerosos shows y fueron reconocidas por la prensa como banda revelacion. Terminando con esa formacion, dejan registrado un unico disco "Acorralar a la bestia" (1996 Polygram).
Alika decide en 1999 comenzar su propio proyecto basado en las raices de la cultura Rastafari, destacandose por sus letras claras y directas que hablan del respeto, la dignidad, la opresion del sistema occidental, la confianza en uno mismo, y las problematicas que se viven en los barrios. Con destacados Mc s de la escena de Chile, pais en donde le da forma a NO DEJES QUE TE PAREN (2001 Mabrak Discos) su primera produccion independiente el cual con pocos recursos economicos se ha editado en cassette y ha llegado a influenciar notablemente a los jovenes que lo escucharon y asi comienza a mostrar en vivo su nuevo trabajo.
En el 2003 edita su segundo Album SIN INTERMEDIARIOS, disco bien recibido en Sudamerica con cortes como Paciencia, Demanda y Encendedores.
En el 2005 llega su tercer produccion RAZON MEDITACION ACCION. Un album donde su musica suena mas roots que nunca y contiene cortes como Costumbre de matar y No le des fuerza a Babilonia.

Su carisma y presencia escenica la han llevado a compartir su musica en sound systems y festivales en diferentes barrios y ciudades de paises como Estados Unidos, Mexico, Costa Rica, Venezuela, Colombia, Peru, Uruguay, Chile y Argentina.

A principios del 2006 Llega, desde Alemania El rugido del leon una edicion en vinilo que incluye tracks de sus dos ultimas producciones.

Para finales del 2007 Alika lanza su exclusiva linea de ropa ,disponible en todos los locales de Cristobal colon e Isabel la Catolica .

EDUCATE YOURSELF es el nombre del cuarto Album de Alika, el cual se encuentra disponible en alika.com.ar y en las disquerias.

MAD PROFESSOR MEET ALIKA. es uno de los albumes esperados para este 2009. Grabado y producido por integramente por el Genio del Dub.

Se pueden seguir las presentaciones en vivo en alika.com.ar/agenda.htm .

Fuente; www.alika.com

Carneviva. Un histórico del rock esta semana en Una Tarde X.

Carneviva comenzó en el verano del '90 en la ciudad de Santa Fe, con Gustavo Angelini (voz y bajo), Lucio Venturini (batería) y Daniel Ferronato (guitarra) componiendo una serie de canciones, que formarían parte de la primera grabación del grupo.

El primer disco se llamó "Carneviva en carne viva". Ahí nacieron canciones que más tarde se convertirían en los clásicos, como “Curtido” y “Stop en la colmena”. A mediados de ese año se presentan en el Centro Cultural Provincial de la ciudad de Santa Fe con la incorporación de Mario Alfageme en el bajo. Con esta formación comienzan sus show por el interior de las provincias de Santa Fe y Paraná.

Un año después editan su segundo material, "En el límite de la piel". A esta altura, CARNEVIVA se convierte en una banda de culto comenzando a incursionar por otras ciudades como Córdoba, Buenos Aires y nuestro vecino país Brasil.

En el año 93’ editan "Curtido", su tercer trabajo discográfico apostando a consolidarse más en el circuito de Buenos Aires especialmente en la Capital Federal. "El alma del vino", "Picos de color" y "Magnífico Alto Verde", entre otros, fueron los temas que afianzaron también lugares como Rosario, San Juan, Mendoza y Comodoro Rivadavia. Esta fue una de las épocas más prolíficas de la banda.

Entre el año 96’ y el 97’ el grupo detiene su actividad para regresar durante el 98’, con un renombrado show en El Patio Catedral de la ciudad de Santa Fe.

Durante los años 2001 y 2002, comienzan a producir con Marcelo Cornut en bajo, un nuevo material discográfico: "Hígado de bronce”.

Las grabaciones en estudio crearon un disco doble del cual se editó, a la fecha, la parte 1.

En junio del 2003, con la incorporación de José L. Mhering en batería, presentan los temas de la segunda parte de "Hígado de bronce”. La banda destinó parte de lo recaudado a los niños afectados por la inundación. Estos años de trabajo le brindaron a CARNEVIVA la fidelidad de sus fans y el respeto de todas las bandas de rock local, que reconocen en ellos a una de las agrupaciones más influyentes de los noventa.

En el año 2007 Gustavo Angelini y Lucio Venturini toman la decisión de comenzar una nueva etapa para Carneviva con Emiliano Yellati en bajo y Facundo Gorostiza en Guitarra. Este cuarteto comienza a presentarse en distintos puntos del país en donde la banda supo presentar sus discos en vivo.

Actualmente, trabajan en una nueva producción discográfica, en la cual está siempre vigente el sonido que introdujo una perspectiva original en el rock argentino.

"Vivo en el viento" fue registrado en un show el 28 de septiembre del 2008 en el predio ATE-UNL de la Ciudad de Santa Fe. «Fue al aire libre y hubo un viento inmenso que hizo peligrar la realización del mismo, eso le dio un toque mágico a la noche, sentimos que la banda estaba viva en su plenitud, de ese momento se inspiro el titulo. La idea de este CD es mostrar el sonido actual de la banda y reposicionarnos en la escena del rock argentino, ya que estuvimos ausentes algunos años, mientras el nuevo material cobra forma en el estudio».

Una semana completa junto a Dread Mar- I

Mariano Javier Castro, conocido como Dread Mar-I, comenzó su carrera de solista
en el 2005 después de varios años como vocalista en Mensajeros.

En abril de ese año editó su primer disco, “Jah Guia”. El tema de más éxito, “Inspiración”, fue el corte del programa de ESPN “Gravedad Zero”.

Además participó como miembro estable de Los Cafres, acompañando a la banda de Bonetto en el Estadio Obras y en el Luna Park, donde registraron su DVD “Luna Park”. Dread Mar-I participó en el coro y, en dos conciertos, reemplazó al cantante.

En 2006 participo de la primera edición -la de mayor convocatoria hasta el momento- del clásico festival “Bob Marley Day”. Se presentó en la misma noche que The Peter Tosh Band y The Wailers ante un estadio Luna Park repleto de 8.000 espectadores.

En el mismo año actuó en el Pepsi Music; En Diciembre lanzo “Hermanos”, un gran disco, donde expresa en sus letras y en su armonía el mensaje de paz, unión y respeto que quiere dar.

La explosiva recepción de “Hermanos”, en el 2007, hace que Dread Mar-i, junto a su banda Los Guerreros del Rey, lleven su música a lugares nuevos. Durante ese año demostró la gran proyección nacional e internacional que tiene como artista. Con su voz atrapa a los amantes del reggae y al público en general. Esa consagración se reflejo en tres Niceto Sold Out y en los locales del Gran Buenos Aires que llenó cuándo se presentó.

Volvió a participar del Pepsi Music y cerró el año con una actuación en Niceto donde más de 300 personas que se quedaron afuera del local bailando al ritmo de sus canciones.

2009 es sin dudas su mejor año: Dread Mar-I es la banda de Reggae Argentina que más conciertos realizó hasta el momento.

La presentación de su nuevo disco suma potencia a un gran año y abre un horizonte sin límites.

Discografia: Jah guia (2005); Hermanos (2006); Amor-es (2008).

Oasis en Buenos Aires: Pared maravillosa

En la noche de River Plate, la banda que capitanean los Gallagher ofreció un concierto visceral y consistente. They are rock & roll stars!

Es complicado sostener que un grupo visitó Argentina en su mejor momento cuando nunca pudo superar la grandeza de sus dos primeros discos, hace años que no recibe acogida en la cima de los charts y sus nuevas canciones no llegan ni a los tobillos de sus clásicos históricos. Sin embargo, el show que Oasis brindó en la noche del domingo podría avalar cualquier definición descabellada.
Con lo que quizá sea la alineación más consistente de toda su trayectoria, la banda de Manchester desfiló por la arena de River Plate como una verdadera “aplanadora del rock”. Viscerales y contundentes, apoyaron su concierto sobre una pared de guitarras y distorsión.
Así, después de que Estelares, Mole (a pesar de la ausencia del guitarrista Andrés Alberti -expulsado del grupo-, se destacó dentro del combo local) y Los Tipitos, Oasis arremetió con el imponente “Rock & Roll star” y el estadio estalló.
Para qué buscar un trabajo cuando no vale la pena trabajar / es una loca situación / pero todo lo que necesito son cigarrillos y alcohol” (“Cigarettes and alcohol”), cantaba Liam Gallagher y las 25.000 almas sacudieron el Monumental, después de que la bombástica versión de “Lyla” y que el marcial “The shock of the lightning” preanunciaran una noche espectacular.
A esta altura, los creadores de “Live forever” (resaltó la ausencia de este hit en la lista y el público lo remarcó), eran una usina rockera. Con su pose de hooligan, Liam marcaba los tiempos de un combo que ganó con la incorporación de su nuevo baterista, Chris Sharrock (el ex The La’s no es tan sutil sino más rustico y potente… ideal para la música de Oasis).
Mientras un cartel con su cara y la inscripción “God” brillaba entre la multitud, Noel Gallagher desparramaba carisma, arrastrando a los guitarrazos a esa joya que es “The Masterplan” como sacándole músculo a su voz en “The important of being idle”.
En este sentido, el set list fue soberbio. “To be where there’s life” (psicodelia pura), “Songbird”, “(What's the Story) Morning Glory?” (otro punto alto), “I’m outta time”, “Wonderwall” (siempre conmovedor) y “Supersonic” arrasaron por belleza melódica y garra. Cada detalle de la velada auspiciaba para que la banda dejara aflorar su buen humor.
Desde Liam, quien se tomó un tiempo para dedicar una canción a las chicas que estaban al frente del escenario, desplegó una bandera que le obsequiaron y arrojó su pandereta, hasta Andy Bell y Gem Archer, reflejaron con gestos y sonrisas que no era una noche más en el planeta Oasis.
Inserto dentro de este clima festivo, la recta final se adjudicó lo mejor. Así, en un rapto de nostalgia, Noel recordó que se cumplían dos décadas de que, como plomo de Inspiral Carpets, había pisado suelo argentino por primera vez, y asestó un golpe emotivo con “Don’t look back in anger”.
“Llévame al lugar donde vas / donde nadie sabe si es de noche o de día / y no mires atrás con ira”, entonaban a dúo la multitud y el Gallagher mayor, cayendo en la cuenta de que sus letras podrán no ser poesía pero se cantarán hoy, mañana y pasado, omitiendo generaciones.“Falling down”, “Champagne supernova” (¿la mejor canción de los noventa?) y el cover beatle “I am the walrus”, le pusieron la firma a un concierto brillante.


Gustavo Bove
Fuente; 10 música.com

¡Rosario en Carneviva! ¡Carneviva en Rosario!

SÁBADO 18 ABRIL EN ROSARIO
MONSTER FESTIVAL 09
Galpón 11 - Sargento Cabral y el Río - 21.00 HS.
Junto a BONZO BLUES BAND, BUENOS PSICOPATAS, LA ROLOCKAN ROLL y más….

Expo de tattoo, tunning de autos y motos, arte urbano y rock.
Del 17 al 19 de abril.


CARNEVIVA, una de las agrupaciones más influyentes de los noventa, llega a Rosario para presentar su nueva producción discográfica “Vivo en el Viento”, el próximo sábado 18 de abril en el Galpón 11, bajo el MONSTER FESTIVAL 09, a las 21.00.

Como religión la radio y la música.

Quizás si, es un tiempo de pensamiento, de entender desde la tranquilidad lo que nos pasa y lo que nos viene pasando.
Pero también este jueves santo queremos estar con la radio, los discos, la gente.
Así que hoy jueves 9 de abril estamos en el aire junto a la audiencia que sabe elegir y la que cayó por casualidad.
Gracias por acompañarnos.
MR UTX.

Levitar en La X.

Estas son las imágenes de Levitar, cuando estuvieron el viernes en nuestros estudios previo al show del sábado junto a Molotov.
Hacé click en la imagen o aquí para ver el album completo.

The Strokes componen su nuevo disco pensando en los 70’s

Inspirados en Elvis Costello y Thin Lizzy, la banda emblema de New York está componiendo con vistas a su próximo álbum.

“Tenemos tres canciones compuestas y algunas de las nuevas cosas tienen una vibra muy setenta”, declaró Julian Casablancas en relación al sucesor de First Impressions Of Earth (2006). Con fecha pautada para fin de año, la cuarta placa será una progresión en el sonido clásico de The Strokes.

Entre otras cosas, el vocalista también admitió que el clima en el estudio es muy bueno y que se sienten muy cómodos entre ellos, lo cual ayuda a que las nuevas composiciones salgan de manera más fluida.

Así, abandonando los postulados de Velvet Underground y utilizando como faro a artistas del tamaño de Elvis Costello o Thin Lizzy, Casblancas, Nick Valensi y Fab Moretti están adelantados en la línea estilística de un material que todavía no tiene título.

SOUNDS OF THE UNIVERSE DEPECHE MODE

Los legendarios Depeche Mode se enorgullecen en anunciar el lanzamiento de su, tan anticipado nuevo disco de estudio, Sounds of the Universe este 21 de abril de 2009 (Mute Records).

Ecléctrico y energizante, el nuevo lanzamiento de la banda es su álbum más deslumbrante y diverso, en décadas. Grabado en Santa Bárbara y Nueva York, Depeche Mode volvió a usar mucho equipo vintage, desde sintetizadores análogos hasta baterías electrónicas, para evocar los arreglos retro futuristas presentados en el álbum.

En cuanto a las letras, el disco contiene muchas de las eternas obsesiones del grupo además de un humor negro más abierto que en cualquiera de sus colecciones previas.

Como con su disco Playing The Angel del 2005, Sounds Of The Universe tiene letras de Martin Gore, el compositor principal del grupo, y Dave Gahan quien después de afinar su talento en dos álbumes como solista, se ha ganado el lugar de segundo escritor en Depeche Mode. El lanzamiento también marca una reunión entre la banda y el productor Ben Hillier (Blur, Doves, Elbow), quien trabajó con la banda para ayudar a dar desde el primer track del nuevo álbum su sonido eterno. El primer single del álbum, “Wrong”, se apropia de la atención del oyente desde su primera nota. Sonidos fuertes, sintetizadores chillando, y el cántico señorial de Dave, “Wrong” ya se siente como el clásico Depeche Mode. Otros tracks que sobresalen incluyen el revestimiento aterciopelado de Martin en la sensual balada “Jezebel”, y el himno góspel de ciencia ficción “In Chains” y “Hole to Feed”, el cual une la electrónica moderna a algo más bailable.

Como una de las bandas más influyentes de la era del post punk, con ventas globales que exceden los 100 millones, Depeche Mode pertenece al selecto grupo de la premiere league de super bandas que han sobrevivido desde los años 80s con sus ideales, visión creativa y el corazón del grupo intactos. Formados en 1981, Depeche Mode – Martin Gore, Dave Gahan y Andy “Fletch” Fletcher – continúan ganando aclamación tanto crítica como comercial alrededor del mundo en cuanto a estudio como en vivo.

Todos los 11 álbumes de estudio de la banda han alcanzado el top ten no sólo en Reino Unido y Estados Unidos, sino que en más de 20 países alrededor del mundo incluyendo Canadá, Alemania, Francia, Italia, España, Suecia, Dinamarca, Suiza y Bélgica. Adicionalmente desde su principio, los conciertos en vivo de Depeche Mode demuestran ser una atracción continua, con la banda tocando para 2.8 millones de personas en 31 países en su último tour.

La discográfica de Amy Winehouse rechaza los temas de la cantante para su tercer disco.

* A Island Records no le gustan las canciones.
* Dice que son demasiado 'reggae'.
* "Escribió muchas canciones, pero no dan en el blanco".


La discográfica de Amy Winehouse , Island Record, ha rechazado los temas que la cantante grabó para su tercer álbum durante su estancia en el Caribe al considerar que no satisfacen las expectativas generadas tras el gran éxito de Back to Black, del que se han vendido 11 millones de copias, según publica el diario británico The Sun.
Island Records cree que las canciones se centran demasiado en la relación de la estrella con Blake Fielder-Civil, del que se separó en noviembre, y tienen además demasiada influencia reggae, rompiendo con su anterior estilo más soul.

Según el periódico, la discográfica ha pedido a Winehouse, de 25 años, que componga un nuevo conjunto de canciones que se ajusten más a lo que se espera de ella.

"Amy fue muy productiva durante su estancia en Santa Lucía, escribió muchas canciones, pero la mayoría no dan en el blanco", declaró al periódico una fuente no identificada.

Al parecer, las letras escritas por Winehouse durante su descanso en Santa Lucía son demasiado deprimentes y oscuras, con excesivas referencias y muy reveladoras a la relación con su ex esposo.

Charly García fue a ver a Antonio Gasalla.

El jueves 19 por la noche, Charly Garcia junto a Palito Ortega y su manager Fernando Szereszevsky disfrutaron del espectáculo de Antonio Gasalla Más respeto que soy tu madre en el Teatro Metropolitan.

Al entrar, el público que colmaba la sala se puso de pie para aplaudir a Charly, que saludó muy emocionado y se rió muchísimo al ver la obra. Y al terminar el show, Antonio Gasalla decidió contarle al publico las presencias ilustres que recibía, y no pudo contener el llanto al comentar el impecable estado de salud de Charly, y confesar la enorme alegria que le generaba verlo tan radiante y feliz.

Gasalla le agradeció toda la música y el arte que le dio Charly durante tantos años a nuestro país, y le pidió que vuelva rápido a los escenarios para poder disfrutarlo mucho tiempo más. Cabe recordar que García fue quien compuso, en los años 80, la música de la obra teatral de Gasalla Terapia intensiva, y que su tema "Fanky" fue la cortina de uno de los ciclos televisivos del actor, hechos que recordaron cuando el músico visitó al actor en su camarín.

Desmienten rumores sobre el regreso de los Stone Roses.

El publicista de Ian Brown ha desmentido los informes que indicaban una reunión de The Stone Roses.
La prensa británica había dado cuenta ayer de la posibilidad de que la mítica agrupación volviera a los escenarios para ofrecer 21 conciertos durante el verano (boreal).
Sin embargo, el publicista de Brown negó tajantemente que el cantante haya acordado una reunión, diciéndole al Daily Mail que está totalmente concentrado en la grabación de su próximo disco de estudio.
“No sabemos nada sobre una reunión”, indicó el publicista. “Ian está trabajando en su nuevo álbum solista, que saldrá antes de fin de año”.

Rihanna graba para superar el incidente con Chris Brown.

Dicen que en los momentos de crisis es cuando salen las mejores canciones. Algo de eso debe haber motivado a Rihanna para entrar a estudios y trabajar en nuevo material. Adanis, su productor, dice que esto sin dudas está ayudándola a superar el incidente con Chris Brown, su ¿ex? pareja.

Rihanna y su productor están refugiados en un estudio de Los Ángeles, donde emplean diversas tácticas para evadir el acecho de los fotógrafos. Adanis explicó: "Está yendo en la misma dirección musical, pero sin negar su evolución: ahora Rihanna es una súper diva del pop. Ella está bien. Por supuesto, todos saben de su situación, pero está bien".

Y esas no fueron sus únicas palabras: "No se olviden que Rihanna aún es una joven chica. Su refugio es la música, como debería ser. Claro que, de tanto en tanto, hay restos de lo que pasó; pero ella está tratando de ir hacia adelante. Rihanna siempre saca lo mejor y hace un gran esfuerzo cada vez que pisa un escenario o ingresa a estudios".

En cuanto a las condiciones de trabajo, el productor sabe bien cómo entrar y salir del estudio sin ser molestado por la prensa. Adanis: "Me tocó trabajar con Gwen Stefani justo después de que naciera su bebé. Había paparazzis por todos lados. Es un poco el mismo plan: tratamos de esquivarlos, aunque a veces nos agarran; usamos puertas traseras y mandamos autos sin pasajeros para distraerlos".

El regreso de Rihanna a sus actividades musicales cayó justo para disuadir ciertos rumores. Es que, hace unos días, se habló de un posible dueto entre ella y Chris Brown (el cantante, vale recordar, está siendo procesado por atacarla). Al parecer, según algunos medios, la pareja estuvo trabajando con el productor Polow Da Don en una canción que sería incluida en el próximo álbum de Brown. ¿Será cierto?

El abogado de Rihanna, por lo pronto, dijo que ella está dispuesta a declarar contra Brown si la corte la llama como testigo (esto será el 6 de abril). Está claro que esta historia no termina aquí.

U2 "besará el futuro" con gira internacional

U2 tocará en estadios por todo el mundo, empezando el 30 de junio en Barcelona. La revista Billboard tuvo la primicia sobre la gira "Kiss The Future", tras el lanzamiento del nuevo álbum de la banda, "No Line on the Horizon". Se anunciaran más detalles el 9 de marzo.

"Nos emociona mucho la idea de ir de gira con este álbum", dijo the Edge.
"Es un álbum que pensamos que va a traducirse muy bien a un show en
vivo. Las canciones que hemos ensayado suenan increíbles, tienen a todos
enardecidos."

La puesta en escena innovadora del tour incluye una configuración de asientos en 360-grados alrededor de un escenario circular, una escenografía ambiciosa, y una pantalla de video cilíndrica.

La gira será exténsa. U2 se quedará por Europa hasta el 22 de agosto. Llegan a los Estados Unidos el 12 de septiembre con un show en el Soldier Field en Chicago. El grupo seguirá en Norteamérica hasta el 28 octubre, con planes de viajar por el
mundo hasta el otoño de 2010.

El grupo Oasis actuará por cuarta vez en el país.

Será el 3 de mayo, en el estadio de River

Mientras se espera que hoy el grupo irlandés U2 anuncie las fechas de su nuevo tour mundial Kiss the Future , que lo traerá a la Argentina el año próximo, y se aguarda que Depeche Mode confirme su gira sudamericana en octubre próximo, otra de las bandas "grandes" del rock internacional ya tiene día y estadio para su regreso al país: Oasis actuará por cuarta vez en Buenos Aires el 3 de mayo, en el marco de una nueva gira latinoamericana que comenzará el 30 de abril, en Lima, Perú, según señalan en su sitio MySpace ( www.myspace.com/oasis ).

Este año, los hermanos Gallagher redoblarán su apuesta en esta plaza que tan bien los trata. Si en su primera actuación porteña, en marzo de 1998, Noel y Liam se subieron al escenario del Luna Park y en las dos visitas posteriores (2001 y 2006)se presentaron ante un Campo de Polo colmado de fans, ahora irán por el premio mayor del rock en la Argentina: el estadio de Núñez, con capacidad para 55.000 espectadores aproximadamente.

Oasis traerá un nuevo álbum bajo el brazo, Dig Out Your Soul (2008), y nuevo baterista: Zak Starkey, el hijo de Ringo Starr, dejó la banda el año pasado y fue reemplazado por Chris Sharrock, ex baterista de Robbie Williams.

Días atrás, la banda debió cancelar dos conciertos que tenía programados en China porque el gobierno de ese país les negó a los músicos el visado, debido a que Noel Gallagher participó en más de una oportunidad en los conciertos que anualmente se realizan para reclamar por la independencia de Tíbet.

"One kind favor" de B.B. King

A los 83, el maestro de la guitarra blusera da sus versiones sobre las canciones que cambiaron su vida, siguiendo una cronología didáctica.
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El nuevo disco de B.B. King se abre con un tema emblemático: See That My Grave Is Kept Clean (Ocúpense de que mi lápida esté limpia) compuesta por Blind Lemmon Jefferson y que alguna vez eligiera Bob Dylan para su álbum debut. Aquí parece formar parte de una despedida. La serie de clásicos del blues elegidos por King junto a su productor, T Bone Burnett, arman un emotivo y estupendo viaje al pasado. King quiso repasar un repertorio al que admira y que le causa placer: en su sitio se puede ver una filmación en la cual afirma que justamente el tema de Jefferson es su canción favorita. Y Burnett fue en busca del sonido que escuchó en un recital en vivo de B.B. en Dallas, durante 1965.

Para ello armó una banda base con veteranos de primera línea: Dr. John en el piano, Jim Keltner -ex integrante de The Band- en batería, y el bajo acústico de Nathan East, quien alguna vez tocó con Eric Clapton. Pero el protagonismo pasa, como sucede casi siempre, con B.B. King, por su voz, esta vez más apaciguada que de costumbre, y por su mítica guitarra Lucille, menos predispuesta a dejarse llevar por el exhibicionismo de alguna de sus últimas grabaciones. Lo que permite redescubrir muchos matices del modo de cantar y de tocar de King que habían quedado relegados, sobre todo la melancolía y la pena, que aparecen de manera conmovedora en Backwater Blues, una bella composición de Lonnie Johnson. La banda, a la que se agregan vientos y teclados en algunos temas, aporta un continuo de swing y sentimientos sobre el que discurre el solista de modo permanente e imaginativo.

Esta caminata por el pasado se conecta de manera directa con el lugar que ha ido ocupando King en la historia del blues. Hoy es, junto a Buddy Guy, casi el único exponente de una parte de la historia más gloriosa de un género que nació para cantar las tristezas de un pueblo al que le habían cambiado la esclavitud por la segregación. Fiel a ese lugar, realiza casi doscientos conciertos al año, pese a sus 83 años recién cumplidos, tiene un programa de radio semanal y ha fundado en el estado de Missisippi el B.B. King Museum and Delta Interpretive Center, dedicado a la historia del blues y a la suya propia. One Kind Favor, grabado a mediados del año pasado, responde a ese mismo espíritu de mantener y difundir esa historia y recorre no sólo los temas sino también los estilos que ha ido adquiriendo en su trayecto el blues, los más puros así como los que vinculan al blues con el rock, con la balada -como Tomorrow Night, el único punto flojo del disco-, con el jazz. Tiene algo de legado a la posteridad, pero por suerte en manos de un músico entusiasta y bien humorado que no cree en solemnidades, lo que hace que suene intenso y vivo. Como un buen blues.

Duke Ellington es el primer afroamericano en una moneda estadounidense.

La leyenda del jazz norteamericano se convirtió este martes en el primer afroamericano retratado en el reverso de una moneda estadounidense.

El director de la Casa de la Moneda de Estado Unidos, Ed Moy, presentó hoy en una rueda de prensa en el Museo de Historia Estadounidense la nueva moneda de cuarto de dólar en la que aparece la silueta de la mítica figura del jazz junto a su inseparable piano.

"Al igual que otros grandes estadounidenses que han tenido éxito en lo que han hecho con dedicación, Duke Ellington destacó a partes iguales por su talento, trabajo duro, pasión y perseverancia", señaló Moy en un comunicado.

El cuarto de dólar representará a los ciudadanos del Distrito de Columbia, que votaron entre varias personas para estar representados en la moneda de 25 centavos, entre ellas el abolicionista Frederick Douglass y el astrónomo Benjamin Banneker.

Cuando los ciudadanos de Washington vean esta moneda, dijo Moy, "recordarán al hombre y su arte, así como el lugar donde ambos nacieron y se criaron: el Distrito de Columbia".

La moneda incluye la frase "justicia para todos", frente a la petición de los ciudadanos del Distrito que querían que llevara el lema "impuestos sin representación", en protesta porque el Distrito no tiene un representante en el Congreso con derecho a voto.

Edward Kennedy "Duke" Ellington, nació en Washington D.C. en 1899 y en su productiva carrera, en la que recibió 13 premios Grammy, compuso más de 3000 canciones que marcaron un hito en la historia de la música como "It don't mean a thing if it ain't got that swing", una canción que marcó el comienzo de la era del swing jazz.

Ellington vivió la época dorada del jazz en la que compartió escenario con otros grandes como John Coltrane, Louis Armstrong y Ella Fitzgerald.

El músico, que recibió el título de Doctor Honoris Causa por las Universidades de Howard en 1963, y de Yale en 1967, además de la Medalla Presidencial del Honor otorgada en 1969, falleció el 24 de mayo de 1974 en Nueva York, víctima de un cáncer de pulmón.


Fuente: EFE

Bill Kaulitz tocará el violín en el nuevo disco de Tokio Hotel

Lo dice Bill mismo: "Sí, aprendí violín en el colegio. Era obligatorio en el curso de música. Pensé que en una canción triste que compuse, podría tocarlo en algunas partes." ¡Muy multi-instrumental!

Tokio Hotel, o sea, Bill junto a Tom, Gustav y Georg, prepara el sucesor de "Scream", que los lanzó a la galaxia del ultra éxito, con los Matrix, o Scott Spock y Lauren Christy de productores, que ya trabajaron con Korn y Avril Lavigne.

Sobre el violín, cuyo tema no se sabe el nombre, como tampoco se anunció el disco, Bill continúa: "Grabé yo la parte, pero en vivo tendremos una orquesta, así que, por supuesto, seguiré cantando."

Eso esperamos, Bill. El disco saldrá esta primavera, aparentemente.

STUDIO HOME - Hecho en casa!!!

* Cada vez más aficionados optan por grabar sus composiciones en casa.
* La democratización de las nuevas tecnologías ha posibilitado que poner en marcha un estudio casero sea una opción asequible.
* Además, ya hay músicos y bandas profesionales que cuelgan en internet sus trabajos, para que cualquiera pueda editarlos.

Los tiempos en los que era indispensable gastarse una fortuna para poder grabar tu música en calidad decente han llegado a su fin. Hoy en día, con el avance y el abaratamiento de las nuevas tecnologías, casi todo es posible. Sólo hace falta invertir un poco de tiempo y una cantidad razonable de dinero. La creatividad, por el momento, no tiene precio.

"Cada vez son más los que vienen a informarse sobre este mundillo. No sólo gente interesada en la electrónica, sino músicos de todos los estilos", apunta Mario, de Sonido 40, un establecimiento ubicado en la madrileña Barquillo, la llamada calle del sonido.

El kit de principiante más elemental para alguien que desee montar un estudio casero apenas pasa por un pequeño número de componentes. El más básico, y sobre el que todo gira, es el ordenador personal. "Hoy en día se puede hacer de todo con un ordenador, y no hace falta gastarse mucho dinero en él: con un equipo sencillo se pueden empezar a hacer cosas", asegura Mario.

Más allá del indispensable ordenador, conviene hacerse con una tarjeta de sonido, un micrófono y unos altavoces. Las tarjetas de sonido (las más baratas, a partir de unos 90 euros) no son más que dispositivos que permiten la entrada y salida de audio. Las más apropiadas son las externas, a través de las cuáles se pueden conectar al ordenador micrófonos, instrumentos y cualquier tipo de dispositivo. Enchufar, y listo.

Todo el que quiera contar con algo más que instrumentos "reales", como una guitarra, un bajo o la propia voz, deben apostar por un controlador MIDI (siglas en inglés de Interfaz Digital de Instrumentos Musicales). Estos permiten generar todo tipo de sonidos, desde una orquesta a un sintetizador. Pese a que los más extendidos tienen forma de teclado, hoy en día es posible encontrar todo tipo de instrumentos con capacidad de transmisión vía interfaz MIDI, desde guitarras a percusión, incluso clarinetes y gaitas MIDI.

El ‘software' necesario

El número de programas para grabar, editar y masterizar música es amplio. Los poseedores de un Mac disfrutan de Garageband, una aplicación incluida en todos los ordenadores de la firma de la manzana, de uso muy sencillo y resultados semiprofesionales.

Un paso más allá en complejidad y prestaciones se encuentran programas como Reason, Cool Edit, Cubase, Logic Studio o Ableton Live. Cada uno de ellos tiene su ciencia propia, e incluso muchos se utilizan de manera complementaria debido a sus características. Todos, sin excepción, requieren un proceso de aprendizaje para desvelar sus múltiples secretos y posibilidades.

Lo nuevo de U2, canción a canción.

1 No Line on the Horizon. Comienzo contundente, aunque la voz de Bono acuse la edad. Suena a Live Earth. ¿Siguiente single?

2 Magnificent. Los U2 de antaño con arreglos muy cuidados. Los ‘oh, oh' de siempre tampoco faltan. No está mal.

3 Moment of Surrender. Lenta, con una entrada a lo Enigma. La banda empieza a ponerse mística. Quiere ser un himno; no lo es.

4 Unknown Caller. Llegan el falsete, el sol y los pajaritos. Tema pegadizo, pero de fórmula algo machacada.

5 I'll Go Crazy If I Don't Go Crazy Tonight. Si uno se despista, le puede sonar a Bon Jovi. Asoma la guitarra.

6 Get on Your Boots. Primer sencillo y rareza sugerente dados los tiempos que vive U2. No tiene nada que ver con el resto de canciones que conforman el álbum.

7 Stand Up Comedy. Dios es amor: lo dice Bono. Canción rockera con guiño al Superstition de Wonder, por ejemplo.

8 Fez-Being Born. Giro de 180 grados y mención para la Bahía de Cádiz. Grabar en África merecía un tema. Para meditar.

9 White as Snow. Canción tranquila y óptima para Bruce Springsteen, con un toque country. Más dosis de ‘oh, oh'.

10 Breathe. Más guitarreo. Bono resucita y ofrece, a coro consigo mismo, otro tema con gancho para fans.

11 Cedars of Lebanon. Una de conflicto bélico, casi recitada. Para reflexionar sobre el mundo. Un colofón inmaculado.

U2 y su 'No Line on the Horizon': El regreso de los predicadores

# Los irlandeses U2 vuelven con 'No Line on the Horizon', tras cinco años.
# En él se reafirman en su 'pop rock' para las masas, su compromiso contra la pobreza y su inconfundible y rotundo sonido.
# Los nuevos temas traen baladas, sonidos cañeros, guitarras, falsetes... Analizamos lo nuevo de U2, canción a canción.

La espera ha sido esta vez más larga que nunca. No Line on the Horizon, grabado a caballo entre Fez (Marruecos), Nueva York, Londres y Dublín, ve la luz cinco largos años después de How to Dismantle an Atomic Bomb. Unas 5.000 personas pudieron disfrutar de un pequeño anticipo el pasado viernes en Londres, donde el grupo irlandés tocó en la azotea del edificio de la BBC, tal y como hicieran los Beatles en la sede de Apple Record en 1969.

Desde su gestación, el duodécimo disco de U2 ha sido diferente. En 2006, la banda empezó a trabajar en las nuevas canciones. Rick Rubin (responsable del sonido de Beastie Boys, Metallica o Weezer), se hizo cargo del proyecto inicialmente, pero tras las primeras sesiones el grupo rompió su acuerdo con él.

Después se supo que todo lo grabado con Rubin sería descartado. Sólo una canción de aquellas sesiones llegó a ver la luz: The Saints Are Coming, grabada junto a Green Day en beneficio de las víctimas del huracán Katrina. Tras la salida fulminante de Rubin, Brian Eno y Daniel Lanois, habituales en las producciones de U2, tomaron las riendas del disco.

Los rumores sobre el nuevo álbum surgieron pronto, alimentados por declaraciones de los miembros de la banda. En palabras del propio Bono, las nuevas canciones serían distintas a todo lo hecho anteriormente. "Puede que el rock desaparezca de nuestra música", llegó a afirmar.

Con su primer single, sus seguidores comprobaron que la cosa no era para tanto. Get on Your Boots es una de las canciones más directas y enérgicas del disco. Una letra que aboga por la toma del poder por parte de las mujeres ("los hombres lo hemos jodido todo", según el guitarrista The Edge) y un sonido marca de la casa. Un tema que muchos ya escucharon cuando un fan francés lo grabó desde el exterior de la casa de Bono en Éze, en la Costa Azul. La canción fue retirada de inmediato de Youtube.

Bono, omnipresente

U2 siempre se han caracterizado por su compromiso con los más desfavorecidos. No Line on the Horizon no sólo no es una excepción, sino que incide más que nunca en conceptos como la injusticia, las guerras o el hambre.
Al frente de todo el posicionamiento político y social de la banda está Bono, que ha ido ganando presencia en la escena política internacional.

Al frente de todo el posicionamiento político y social de la banda está Bono, que en los últimos años ha ido ganando presencia en la escena política internacional. Se ha reunido con los principales mandatarios del mundo (desde Bush a Zapatero, desde Mandela a Sarkozy) con el objetivo de obtener de ellos un mayor compromiso en la lucha contra la pobreza.

Fue uno de los protagonistas de los conciertos solidarios Live Aid de 1985 y su reedición de 2005, el Live 8. Y su nombre suena desde hace años para el Nobel de la Paz, al que ya ha optado en tres ocasiones. A medio camino entre música y religiosidad, entre el rock y el mesianismo. Tratando de evitar ser engullidos por su propia leyenda... U2 siguen adelante.

Del pospunk al pop de masas

U2 se formaron a contracorriente en el lejano 1976. Eran cuatro jóvenes católicos de Dublín que tenían poco que ver con la filosofía punk del momento, más allá de que ellos tampoco sabían tocar. Sus tres primeros discos, influidos por los sonidos del pospunk, Boy (1980), October (1981) y War (1983), obtuvieron una repercusión considerable en el Reino Unido, consolidada con The Unforgettable Fire (1984).

No fue hasta 1987, con el sobresaliente The Joshua Tree, cuando el éxito masivo llamó a su puerta, gracias a hits como I Still Haven't Found What I'm Looking For o With Or Without You, que les llevaron a triunfar en EE UU. Rattle & Hum, concebido para un documental sobre su gira americana, hizo de bisagra para su otro gran cénit creativo, Achtung Baby (1991). En Zooropa (1993) y Pop, (1997) U2 se reinventó con los sonidos del techno y la electrónica.

Ya en el nuevo milenio, All That You Can't Leave Behind (2000) y How to Dismantle an Atomic Bomb (2004), les sirvieron para seguir en la brecha como uno de los grandes grupos de pop rock de todos los tiempos.

Duffy: la melodía del vértigo

Galesa, 24 años. Su disco debut, "Rockferry", fue el más vendido en Inglaterra el año pasado. Música pegadiza, térmica elevada, calor y radiación sexual. Y ella que se queja por su fama repentina

En la reciente edición de lujo de su disco "Rockferry" se incluyen siete temas nuevos entre los que se agregó el nuevo hit "Rain on Your Parade". Resulta que durante las sesiones de grabación hubo que descartar material porque se tomó la decisión de incluir sólo diez temas y dejar el resto para su siguiente trabajo. "Rockferry-Deluxe" es un CD doble que, además del disco original, contiene cinco temas inéditos, además de la canción "Enough Love" (tema de la banda sonora de la película "How to Loose Friends", y un librito de unas doce páginas.


Nos preocupa porque acaba de ganar tres Brit Awards a mejor artista femenina, mejor artista revelación y mejor disco, todos por Rockferry, su álbum debut. Porque en la misma velada dejó con las manos vacías a los Coldplay. Porque en Inglaterra fue el disco más vendido en 2008 y porque en los Estados Unidos ya es disco de oro. Nos preocupa porque Duffy ¿que no es la nueva criatura de Pixar, sino la estrella pop que estaba faltando¿ hace un año no era nadie y nada se sabía de su tendencia soul, pero ahora hay nominaciones, premios, metales pesados y preciosas.

Esta galesa de 24 años llamada Aimee Anne Duffy sabe que la crítica especializada la ve como una amy-winehousita. Y nos preocupa también la sociología comparada, porque cuando viene la fama, el anonimato entra en retirada. ¿Señales? Sus últimas declaraciones. "Mi vida cambio radicalmente". Habla desde lo que le sucede desde la canción Mercy para acá. Tres minutitos pegadizos, térmica elevada, calor y radiación sexual. Suficiente. Si antes usaba gafas negras y exóticas para que la reconocieran por la calle, ahora no puede asomarse ni a la góndola de lácteos. "Esta situación me está alterando los nervios", dijo hace poco y usando una mueca sólo vista en la (más)cara de Mickey Rourke.

Exito + juventud + nervios alterados. Esto, generalmente, viene dando como resultado Britney Spears o Amy Winehouse. "No estoy nunca tranquila y pienso: ¿Podré manejar esto? Lo que más me asusta de todo es que esto recién comienza. Estoy al límite, al borde de una colapso nervioso".

Mmmm, veamos, señorita Duffy. ¿Podría acercarse al diván? "El otro día entré a un restaurante en Italia y había 30 personas hablando de mí. No tengo idea de qué hablaban y eran encantadores. El personal también me dio una gran bienvenida. No querían dañarme de ninguna manera. Pero no siempre es así. He vendido mi música y ya no soy anónima, pero tengo que recordar que la mayoría de la gente es buena. Tengo que recordarlo", reconoció en un reportaje reciente. Hummm. ¿Qué le parece comenzar con 1.5 mg. de alprazolam dos veces por día?.

Amy Winehouse. Okey, sí: existe un sugestivo componente semántico/etílico en su apellido. Amy canta bien, muy bien, pero lo que mejor hace ¿mediáticamente hablando¿ es internarse, desmayarse, agredir huéspedes de hoteles caribeños y demostrar un enorme talento para cancelar conciertos. Nos preocupa Duffy y es seguro que tendremos que reflejar en castellano lo que salgan a decir los tabloides ingleses.

Duffy, pequitas en su infancia, nació en Gales, en un paraje al norte donde difícilmente se tuvieran noticias de los 40 principales. Entrados los '90, Duffy llegaba a su casa y mamá seguía bailando ¿Crees que soy sexy?. No puede hablarse de una influencia demasiado clara. El productor de Rockferry (08), el guitarrista Bernard Butler, de Suede, quería saber qué clase de freak le habían encomendado. Cuenta Bernard que Duffy consiguió crecer sin conocer el concepto de lo que estaba de moda. "Para ella ir a Londres era como un cuento de hadas". Aquí es donde la historia de Duffy y la de Carlitos Tévez empiezan a tener puntos en común. Para ensayar, Duffy se tomaba dos colectivos, corría para agarrar el tren y esperaba la combinación con un segundo tren. "Lo que resulta es una persona que se comporta y canta guiándose de forma instintiva ¿dice Bernard¿. Esto es algo mágico y excepcional".

¿Y Duffy? "La gente insiste en decirme: has hecho un gran disco. Yo no puedo admitir ese comentario, no puedo". Entonces, ¿hay que preocuparse o no?-

Rock solidario en la playa. Todos por Tartagal.

Cortito y al pié.
Ciclo: “Rock & Playa”
Recital: Gastro, Grises, Tales y Contragolpe
Día: sábado 28 de febrero
Lugar: Parador Guadalupe (Estanislao Zaballos y Costanera)
Hora: 18.30
Entrada: Una ayuda para Tartagal.
La segunda edición de “Rock & Playa” llega a su fin. Será el próximo sábado desde las 18.30 horas en el Parador Guadalupe (Estanislao Zaballos y Costanera). La entrada será ayuda material para los damnificados de Tartagal. Organiza Parador Guadalupe, Maga Producción Independiente y Paulo Sonido e Iluminación. Auspicia el Gobierno de la ciudad de Santa Fe.


Con las actuaciones de Gastro, Grises, Tales y Contragolpe el ciclo “Rock & Playa” bajará el telón de su estival temporada hasta el año entrante. El escenario playero se instalará, como ya es habitual, en el Parador Guadalupe, ubicado en el Espigón 2 de la Costanera de la ciudad.

Si bien la entrada a los conciertos será libre y gratuita, se instalará un puesto en el que se recibirán todas las colaboraciones posibles para los damnificados por el alud en Tartagal. Desde la organización se explicó que estarán “recolectando agua, alimentos no perecederos, pañales, leche larga vida, juguetes, agua mineral, lo que sea que la gente entienda que le puede servir a los hermanos de Salta. El lugar de almacenamiento será en la Universidad Católica de Santa Fe (UCSF); ellos serán los encargados del traslado de todo lo recolectado hacia el destino. Una vez que cumplamos con esta tarea, los resultados podrán verse en todosportartagal.blogspot.com: allí subiremos las imágenes de lo que fue la organización, la puesta en general y el destino de lo recolectado en la UCSF. Creemos que es la mejor manera de cerrar la segunda temporada de este ciclo tan exitoso. Sabemos que podemos contar con la colaboración de todos los santafesinos”.

Andrew Loog Oldham: "Charly es como Lennon"

El productor leyenda de los Rolling Stones describe la madurez rockera de los Ratones Paranoicos y explica la experiencia de grabación de Kill Gil.

Trabajó con los Beatles en sus comienzos, produjo a los Rolling Stones, y también fue responsable de que Jagger y Richards comenzaran a componer sus propios temas, tuvo un sello en el que grabaron algunos de los más grandes nombres de los 60 (incluyendo a Humble Pie, Small Faces, Fleetwood Mac, John Mayall, The Nice), produjo a Bobby Womack, escribió libros, le ganó un millonario juicio a The Verve, tiene un show radial en el programa de Little Steven Van Zandt –el guitarrista de Springsteen–, y ahora está hablando conmigo. Desde Bogotá, Andrew Loog Oldham atiende el teléfono quejándose del cambio climático. Dice que en los últimos años llueve más, y que cuando sale a la calle tiene que ponerles abrigos a los perros, por el frío. "Está todo al revés", me dice en buen castellano, e inmediatamente, como recordando el objetivo de nuestra charla, menciona la palabra clave: "Ratones".

Sí, claro, Ratones. Podemos empezar hablando del nuevo disco en el que estás trabajando.
Es la primera vez que trabajamos juntos en doce años. La última vez fue con Planeta Paranoico (1996). Pero era una época de cambios en la Argentina, y también para los Ratones. Pasaron doce años; y aunque cuando conocés bien a la gente doce años son como doce minutos, por otro lado ellos ya no son chicos, ahora son hombres. Y eso se nota en su interpretación. La manera de trabajar fue completamente diferente a como lo habíamos hecho en el pasado. Antes solíamos ensayar en el estudio, esta vez ellos estaban mucho mejor preparados. El método de ensayo y ejecución fue mucho más apropiado. Roy, específicamente, estuvo magnífico. Siempre tocó bien, pero ahora su interpretación es más estadios que clubes. No es que el sonido para clubes tenga nada malo, pero nos gustan los estadios también. Digamos que ahora sonaban más James Bond que Jackie Chan.

¿Y cómo definirías tu contribución?
Mirá, una de las cosas más lindas de este trabajo, que es la música, es que antes de entrar en el estudio, vos pensás que sabés lo que estás haciendo. Especialmente con una banda como los Ratones, con los que, de hecho, he tenido una relación más duradera que la que he tenido con nadie, excepto mi esposa. Y cuando vas a hacerlo, te das cuenta de que es diferente. Hay reglas, pero no hay reglas. Tenés que ser flexible, y pedirles a los artistas que sean fieles a su arte, pero que sean flexibles al mismo tiempo. Es un poco como el fútbol, un trabajo de equipo. Es una pintura, pero es también una ecuación matemática, y tenés que adivinar el resultado correcto. Tenés que comprender lo que los demás están pensando, y tenés que hablar en términos que sean comprensibles y no sean ofensivos. Es difícil definirlo en palabras, tenés que estar allí.

Además, te gusta mantener una cuota de misterio sobre lo que hacés.
Había un gran escritor inglés ya fallecido, Kenneth Tynan, que trabajó algún tiempo como periodista. Una vez fue a entrevistar a Miles Davis al camarín, durante una actuación en Londres en 1965. Miles tenía una reputación por ser especialmente duro con la gente blanca. Entonces Tynan le dice: "Usted sabe, Mr. Davis, pienso que su disco Kind of Blue es realmente grandioso". Y Miles lo mira como queriéndolo matar, y le dice: "¿Pensás que suena bien ahora? ¡Deberías haberlo escuchado entonces!". Porque ese disco había sido hecho una década antes. Lo cual también me hace pensar en mi propia historia con los Rolling Stones: tenías que estar allí. Porque la pintura estaba todavía húmeda cuando estábamos en el estudio. Y por otra parte, cuando estás trabajando con gente, y con algo tan delicado como su talento y su arte, estás usando códigos ¿sabés?

Juanse me habló maravillas del ingeniero que está trabajando con vos actualmente, Timothy Latham.
Sí, es un maravilloso ingeniero norteamericano que he venido usando desde hace tres o cuatro años, con el que también trabajé en el disco de Charly García [Kill Gil]. En los primeros discos de los Ratones trabajé con otro estadounidense que es muy inglés, Steve Rosenthal, pero él ahora es un hombre de familia, tiene un estudio, y no viaja. El me dijo: "Llamá a Timothy, man. Vas a amarlo: él es el único ingeniero que sobrevivió a dos discos con Lou Reed".

Ahora también puede decir que sobrevivió a un disco con Charly García.
Es distinto, pero pienso que Charly García fue fácil comparado con Lou Reed. La única parte incontrolable del disco fue lo que pasó cuando estuvo terminado, no en la grabación. Yo no estuve allí, y no estoy demasiado al tanto, pero sé que hubo problemas con Internet, con EMI y, por supuesto, los problemas personales de Charly que estaban alcanzando su cenit. Pero el trabajo en el estudio, en Nueva York, fue grandioso. Para mí fue un privilegio. Yo sentí que estaba trabajando con la energía de John Lennon.

No son ni un elogio ni una comparación menores los que estás haciendo.
Es así de simple. La gran similitud entre John Lennon y Charly García es que ambos crean muy rápidamente. Saben exactamente lo que hicieron, y no necesitan venir al control [del estudio] para escuchar las tomas completas de voces. En otras palabras, en la matemática del día, ellos hacen su trabajo en el 5 por ciento del tiempo, ¿y qué van a hacer con el otro 95? Ir y ponerse locos. Pero en el estudio, no me perdería esa experiencia por nada del mundo. El tipo entiende la tela, yo sabía que estaba trabajando con un gran pintor. Yo sólo mezclé el disco, pero sé que hice que la grabación fuera mejor, y estoy feliz de haberlo hecho. Y voy a estar más feliz si él se mejora para siempre. Si lo ven, mándenle mi amor.

¿Qué recordás de tus primeras experiencias con los Ratones?
Bueno, yo no estaba bien en esa época. Básicamente, estaba en la misma condición en la que estaba Charly García recientemente. Prácticamente no salía de mi casa en Bogotá, no estaba haciendo mucho que digamos, estaba muy ocupado con mi fucking mente. Creo que la última vez que había trabajado había sido con Bobby Womack en 1983, y él estaba más loco que yo. Pero era un gran artista, aprendí tanto de él. Fue el mismo tipo de experiencia que con Charly; a veces es bueno tener la oportunidad de trabajar con los maestros. Y el respeto, el cariño y la preocupación que los Ratones me demostraron…; yo no sé cuán bueno fui para ellos, pero ellos fueron muy buenos para mí. Cuando los Ratones me llamaron –y me hicieron escuchar los cuatro primeros discos que habían grabado en Del Cielito– comprendí que tenía que tener un tremendo respeto por la invitación. Así que fue muy bueno para mi espíritu y mi autoestima. En ese momento para mí era difícil empezar un trabajo y terminarlo correctamente, y los Ratones me ayudaron a conseguirlo.

Además, los discos que hiciste con ellos en esa época, Fieras lunáticas y Hecho en Memphis, se han convertido en clásicos.
Sí, lo sé. Por eso cuando estuve en noviembre pasado en Buenos Aires y fui al concierto en Obras, ver cómo la gente recibía esos temas y la manera en que han soportado la prueba del tiempo, fue algo maravilloso.

¿Has escuchado alguna nueva música que te llame la atención?
Una banda de Irlanda que se llama The Urges; una de Francia, The Belmondos; me gusta el tema de James Bond, con Jack White. Hay mucho, pero el problema con las bandas que han surgido últimamente es que no tienen tiempo para desarrollarse. Tienen un hit y eso es todo, después es todo trabajo. Y en cierta forma es un poco triste. Sé que hacen plata y todo eso, pero yo pienso que en orden de importancia, es primero la banda, la música, luego el público, los fans, y después el dinero. Te lo explico de esta manera: para el momento en que salió el primer single de los Beatles, "Love Me Do", en octubre de 1962, ellos ya habían hecho la mitad de los shows que hicieron en toda su carrera. Las bandas ya no pueden hacer eso. El problema es… ¿te acordás de la película Basquiat? Este gran artista callejero, en uno de los diálogos hace una de las mejores descripciones de lo que significa hacerse famoso: dice algo así como: "Cuando te volvés famoso, tenés que repetir lo que el hombre blanco quiere. El no quiere que cambies, quiere que te repitas". Y eso es una vergüenza.

Por Claudio Kleiman

Duff McKagan: "Ser una estrella del rock no es nada glamuroso"

* El ex bajista de Guns N’ Roses saca disco con Loaded en marzo.
* Hoy es un hombre nuevo: ni rastro de los excesos de antaño.
* Es padre de dos niñas y escritor; tiene un blog y escribe en 'Playboy'.

No se habla todos los días con el miembro de una banda cuyos pósters adornaron tu habitación adolescente. Y, sin embargo, la sensación de conversar con una estrella desaparece pronto: Duff McKagan, ex bajista de Guns N’ Roses, es un tipo corriente y simpático.

¿A qué suena Sick, su nuevo álbum con Loaded?
A rock and roll honesto.

Estuvo en España el año pasado...
Sí, en el Azkena. Fue increíble compartir escenario con The Gutter Twins, John Cale...

¿Se acuerda de todos los conciertos? Parece complicado.
La verdad es que ahora recuerdo todo mucho mejor que antes (risas).

Lleva una vida más relajada.
Totalmente. Me levanto pronto, llevo a mis niñas al colegio, escribo canciones... Esas cosas. A no ser que esté de promoción. Entonces no paro.

También se dedica a escribir.
Sí. Escribo un blog para del Seattle Weakly y también para Playboy. Y me encanta.

Ser escritor tiene poco que ver con ser músico...
Sí. Lo que pasa es que la gente me ve y piensa en mí como el bajista de Guns N’ Roses o de Velvet Revolver, cuando eso sólo es una parte de mí.

¿Intenta dejar aquello atrás?
Tampoco es eso. Me doy cuenta de lo que he sido, pero ahora llevo otra vida. ¡Tengo dos hijas, de once y ocho años!

¿Y cómo llevan que su padre sea una estrella del rock?
Alguna vez se han venido de gira conmigo. La verdad es que no piensan que yo sea nada cool (risas).

¿Qué les diría si quisieran dedicarse a la música?
Que hicieran lo que quisieran. Pero la gente está confundida. Ser una estrella del rock no es tan divertido. Sólo se ve la parte en la que estás sobre el escenario, pero el resto del tiempo no haces más que ir de un aeropuerto a otro, comer mal, recoger tu equipaje, hacer entrevistas...

Tampoco está tan mal...
No, no me quejo. Me gusta. Pero no es nada glamuroso.

Y eso que estaba usted en la banda más grande del momento...
Sí, pero aun así. Te pasas el día rodeado de gente que no te conoce, a la que no le interesas como persona, pero que te besa el culo sin parar. Hay que tener los pies en la tierra.

¿No echa nada de menos de aquello?
Nada. Las drogas y los excesos están bien cuando estás en la veintena. Pero la vida es más que eso. Llegas a los 30 y piensas, "joder, ya está bien. Me alegro de que haya terminado" (risas).

¿Qué opina de Axl Rose y Chinese Democracy?
Tengo la misma opinión que podría tener cualquiera. La voz suena genial. Me gustan un par de canciones, otras no.

BIO. Duff tiene 45 años y vive en Seattle. Fue bajista de Guns N’ Roses. Actualmente compagina su labor en Velvet Revolver con su propia banda, Loaded, con la que publica su segundo disco, Sick.

Hetfield: "Axl es un buen líder"

El cantante de Metallica habla sobre el nuevo despertar de su banda y las heridas que le dejó el rock.

¿Cómo celebró Metallica cuando Death Magnetic, su noveno disco de estudio, debutó en el puesto número 1?
"Nos compramos un montón de drogas y autos", bromea el líder James Hetfield. "No, sólo nos miramos, quedamos con la boca abierta y dijimos: «¡Man!»." Según Hetfield, el momento fue particularmente dulce: "Hace un par de años estábamos a los gritos, desarmando la banda… ¡y ahora mirá! Es surrealista. ¡Y para mí, que estoy bien sobrio, es muy significativo!". Hetfield, de 45 años, llegó desde Glendale, Arizona, horas antes del arranque de la nueva gira mundial de Metallica, que empieza ahora, durará nueve meses y ya tiene unas setenta fechas pactadas.

Estuvieron tocando todo el año pasado. ¿Con qué canciones se divirtieron más?
En el verano [boreal] hicimos "Cyanide" y "The Day That Never Comes". En esta gira, vamos a estar rotando cuatro o cinco canciones nuevas todas las noches. Queremos darles una chance para que se vuelvan clásicos, como "Fade to Black" o "Seek and Destroy". Esas no se volvieron clásicos por haber sido buenas canciones en disco, sino porque las tocamos mucho, y el público aprendió que tiene su propia parte para cantar.

¿Dónde escribieron las letras para Death Magnetic?
La mayoría, en casa. Había una canción llamada "Shine", que no está en el disco pero va a salir en algún momento, que la escribí en la ceremonia del Salón de la Fama del Rock & Roll en 2006, cuando presentamos a Black Sabbath. Me inspiré y la escribí como si fuera poesía.

Metallica seraá invitada al Salón de la Fama el próximo abril. ¿Quién va a estar en el escenario con ustedes?
Todos los que hayan tocado en un disco de Metallica deberían estar. En general, te consideran para el Salón cuando se cumplen veinticinco años del primer disco que grabaste, y no desde el momento en que se formó la banda.

Eso dejaría afuera a Dave Mustaine…
El no está en ningún disco. Jason Newsted debería estar ahí, estuvo en la banda durante catorce años y tocó en unos cuantos discos, como también Robert Trujillo.

¿Va a ser raro estar ahí con Jason?
No tiene por qué ser raro. No queremos ser parte de la telenovela del Salón de la Fama. Todos quieren ver algún desastre, como pasó con Blondie cuando discutieron un par de boludeces en el escenario [en la ceremonia de 2006]. Creo que eso realmente le quita valor al momento.

¿Escuchaste Chinese Democracy?
No. Seguro que Lars lo escuchó: es un gran seguidor de Axl [se ríe]. Lo estuvo siguiendo y hasta lo molestó, tratando de capturar algo de su esencia de rockstar. Tocamos con ellos en un festival en Alemania, en 2006. Y, aunque no fue el mismo día, fuimos a verlos. El tipo es un buen líder. Hay muchas cosas extra que vienen con eso, pero él tiene talento.

En el nuevo corte "Broken, Beat and Scarred" cantás: "Mostrá tus cicatrices". ¿Les quedaron cicatrices del accidente con fuego en el escenario de 1992?
¿De aquella parrillada humana en Montreal? Hay algunas cicatrices, claro. Y creo que en algún momento hicimos un escaneo corporal y lo pusimos en la revista de nuestro club de fans, destacando mi muñeca rota, las quemaduras, esto y aquello. Pero además me rompí un disco de la espalda en la gira Summer Sanitarium hace unos años. Esa es la que molesta.

¿Qué están escuchando por estos días?
Tengo la radio siempre puesta en Hard Attack en Sirius. Tienen un DJ que se llama José que está tan enamorado del metal, que es un maldito petardo. Estuve escuchando Underground Garage, de Little Steven. El flaco es una fuente de información, y lo tiene a Handsome Dick trabajando con él. Estoy aprendiendo cosas todo el tiempo.

¿Cuál es el disco que más escuchaste?
Tendría que decir que fue Rocks de Aerosmith. Cuando tenía 15 años fui a ver ensayar a la banda. Yo sólo tenía un amplificador chiquito, y ellos tenían un PA de verdad, podías sentir el olor de los tubos quemándose… ahí quedé enganchado. En el fondo tenían unos discos de Aerosmith, y en un momento pusieron Rocks. En ese momento me agarró la fiebre del rock & roll. Y eso fue todo.

¿Qué objeto de memorabilia de Metallica es el que mejor guardás?
¿O sea, algún objeto que Lars no tenga?

¿El acaparó todo?
Lars tiene suficiente como para abrir cuatro museos de Metallica. Uno con sus cosas, otro con las mías, otro con las cosas de Kirk [Hammett]… Te diría que lo mejor que tengo es un póster de la gira que hicimos con Raven, de un show en Bald Knob, Arkansas [en los 80]. El show era básicamente sobre un bloque de cemento en el medio de un campo lleno de insectos. Había un tipo al lado que vendía sándwiches de bagre.

¿Eso te recuerda lo lejos que han llegado?
Sí. El póster dice: "Raven: la banda metal número 1 de Europa". Lo cual no era del todo cierto. Y abajo: "Metallica: los potenciales dioses del metal de Estados Unidos".

Esta semana nos visita The Police a Una tarde X!

Esta semana tenemos el orgullo de recibir la visita de la banda inglesa The Police en Una Tarde X.
Aquí está el promo.

Natalie Imbruglia vuelve de la mano de Chris Martin

El líder de Coldplay grabó unos temas para el nuevo álbum de la intérprete de “Torn”, quien regresa después de más de diez años de silencio discográfico.
Hace algunas semanas dijimos que Coldplay había decidido mantener al margen a Chris Martin de nuevas sesiones de grabación, supuestamente destinadas al sucesor de Viva la vida. Tal vez, ya hayamos encontrado el motivo de tan extraña decisión por parte del grupo.

Según publica el tabloide inglés The Sun, el líder del cuarteto británico se encuentra grabando en forma secreta (bueno, ya no es más secreta) con Natalie Imbruglia, la cantante australiana que tuvo su momento de gloria con “Torn”.

Los temas en cuestión formarían parte del gran regreso discográfico de la cantante, cuyo último álbum publicado (un Best of) data del 2007.

El interminable oficio de Deep Purple

Tras un comienzo más que errático, y ante 22 mil personas, la banda pionera del hard rock remontó un recital que parecía destinado al fracaso. Antes, cumbre oriental con No Te Va Gustar y La Vela Puerca. Crónica y fotos de la segunda jornada del festival.
Todo parecía responder a la leyenda: había parado de llover (desde el primer Woodstock para acá, todos sabemos que un festival de rock sin lluvia no lo es tal, y mucho menos un Cosquín Rock) y Roger Glover, desde su bajo, comenzó a comandar a esa nave nodriza llamada Deep Purple con los inmortales acordes de "Highway Star". Pero, epa, ¿qué pasa con la garganta de Ian Gillian? ¿Qué significa esa tos disimulada, esa agitación similar a la de un asmático en pleno ataque de su enfermedad? "Ya venimos, quédense tranquilos", anunció el vocalista, y tanto el tecladista Don Airey como el guitarrista Steve Morse salieron a campear la situación con sendos solos. Para cuando Gillian volvió (calzado con unos zuecos Crocs, que enseguida abandonó), los problemas en su gola seguían. Otro parate, y Airey que interpretaba "Adios nonino" de Piazzolla ("Tocate una de la Mona, culiao", se escuchó entre la gente) y el tema central de Star Wars. Vuelta a escena de la banda, y los Purple que zafaron de una situación casi cercana al papelón con el tremendo oficio de sus casi cuarenta años de trayectoria (los cumplen este año). La recuperación comenzó con "Perfect Strangers", y para "Space Truckin’" y "Smoke on the Water" la maquinaria sonaba aceitada, aunque cuidando las intervenciones del vocalista a lo mínimo. Al final, "Hush" y "Black Night" cerraron un show con altibajos, y dejó a todos pensando como será su presentación en Buenos Aires…

Antes y después de Purple, la gran protagonista fue la lluvia, ya sea en forma de una garúa tenue y molesta o como chaparrones capaces de asustar y embarrar al más curtido. Tras Cielo Razzo, Los Cafres brindaron su cuota reggae, incluso con Guillermo Bonetto atreviéndose a cantar tímidamente "Smoke…" (hubiese sido diverida una versión dub a la Dread Zeppelin, algo así como Dub Purple, ¿no?). Y posteriormente, la cumbre charrúa en pleno centro de la Argentina, de la mano de No Te Va Gustar y La Vela Puerca. Ambas bandas compartieron guitarrista invitado (Omar de Hereford), Sebastián Teyseyra y su tocayo Cebolla Cebreiro se unieron al final del set de NTVG (que basaron su show en El camino más largo, y Emiliano Briancciari homenajeó a Sokol y a sumo con una toma de "Mañana en el Abasto") para "No era cierto", y luego desplegaron todo su histrionismo en clásicos como "De atar", "Zafar" y "El viejo".

Luego de Purple volvió el aguacero, pero ya de manera más violenta. Eso no asustó a Ricardo Iorio y Almafuerte: más tranquilo que de costumbre y hasta tirando "buena onda" (se permitió un saludo "al loco de Catupecu y su hermanito") desfilaron "El visitante", "Toro y pampa", "Yo traigo la semilla", "Convide rutero" y el final con "A vos amigo", con el habitual lucimiento de la guitarra de Claudio Marciello. A esperar la última jornada, entonces...

Por Pablo Strozza
Fotos: José Luis García.

Dread Mar- I en una entrevista exclusiva en Una Tarde X

Dread Mar -I se entrevistó en exclusivo con Gustavo Simón para Una Tarde X en La X 107,3.
En la entrevista habló de su vida, sus canciones, sus proyectos y la presentación de esta SantaReggaeFest de este viernes 20 de febrero en el Anfiteatro del Parque del Sur.
Reviví la nota con Dread Mar- I en Una Tarde X.
Bajar el audio de la entrevista.

Feliz cumpleaños Kurt Cobain

Aberdeen 20 de febrero de 1967 - Seattle el 5 de abril de 1994

Quilmes 09 cambia de lugar Se pasa a Vélez

Por un partido de la selección argentina de fútbol, la segunda jornada del Quilmes Rock ’09 cambió su sede del Estadio Mundialista de River Plate al estadio de Vélez. La fecha (28/03) que tiene a Iron Maiden como show principal se realizará finalmente en Av. Juan B. Justo 9200.

Además, los brasileros de Sepultura confirmaron su participación en el festival de la cerveza para ese mismo día. Otro agregado de último momento es la presencia de La Portuaria en la fecha inaugural junto a Radiohead y Kraftwerk.

Grilla completa:

Día 1 / 24 de marzo / Club Ciudad de Buenos Aires
Radiohead
Kraftwerk
La Portuaria

Día 2 / 28 de marzo / Estadio de Velez Sarsfield
Iron Maiden
Sepultura

Día 3 / 04 de abril / Estadio de River Plate
Los Piojos
Divididos
Los Cafres
Fidel Nadal

Día 4 / 05 de abril / Estadio de River Plate
Kiss
Ratones Paranoicos
Las Pelotas

Duff McKagan: "La reunión de los Guns puede ocurrir."

Puede ser verdad. Nunca digas nunca. Menos para una de las bandas más calientes de la historia del rock.

Duff McKagan, bajista de Guns n' Roses y Velvet Revolver, lanza la esperanza: "No me siento a pensar y decir que ojalá pasara, pero no soy de los tipos que dicen que jamás puede ocurrir. Es decir, no sé qué carajo va a pasar en mis próximas cuatro semanas. Pero una reunión de los Guns puede pasar. Debería ser justo y verdadero para todos, para nosotros y los fans, una cosa que patee culos. Lo amo a Axl, pasamos por mil mierdas juntos, cosas que nadie nos va a quitar a pesar de que quieran armarnos un escándalo."

Mientras dice estas cosas geniales, busca nuevo cantante para Velvet Revolver junto a Slash y Matt Sorum, y se montó una banda punk, Loaded, para pasar un buen rato, con un CD que sale este mayo.